BALDAQUINO - BERNINI

Este Baldaquino fue construido por Bernini cuando tenia 25 años,con la ayuda de su padre Pietro y Borromini.Es la representacion de la exaltacion papal.
Esta compuesto por cuatro columnas en aspiral ascendente,de estilo salomónicos adornadas con elementos de la naturaleza,como uvas y abejas.Esta hecho de bronce prestado del Panteón de Agripa.
Esta apoyado sobre pedestales de marmol y acabado en el suelo con un altar donde se celebran las misas.Al lado hay una escaleras que llevan a las tumbas de los papas.
Su construccion esta sobre la tumba de San Pedro y debajo de la cúpula de Miguel Angel.
Bernini quiso simbolizar con este monumento las columnas del templo de Salomon en el cual cuentan que se apoyo Jesucristo.Cada coumna tiene una altura de once metros y un peso de diez toneladas.

LAS MENINAS

Velazquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus damas de compañía, las “meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto.
Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria, se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad.


http://www.youtube.com/watch?v=hj4bdndTF9I&feature=player_detailpage

LA VENUS DEL ESPEJO

 Es uno de los pocos desnudos de la pintura española, junto a La Maja Desnuda de Goya. Es el único que se conoce de Velázquez, aunque parece que pintó otros.
El simbolismo explícito del cuadro se traduce en que Cupido, hijo de Venus, que es el amor, sostiene un espejo, en el que queda reflejado el rostro de la diosa de la belleza.
La figura alada de Cupido presenta los brazos delicadamente atados. Así, el amor es preso de la belleza. Venus se autocomplace, con cierto desdén, en la observación de su hermosura.

El espejo rectangular muestra el rostro de la modelo. Velázquez refleja en el cristal la imagen idealizada de la belleza femenina.
Por la posición del espejo, la mujer no se contempla a sí misma. El espejo mira hacia el observador.

CONDE DUQUE OLIVARES

Inició una carrera eclesiástica estudiando en la Universidad de Salamanca. La muerte de sus dos hermanos mayores le convirtió en heredero y le hizo abandonar los estudios para acompañar a su padre, el conde de Olivares, en la corte de Felipe III.

Al heredar el mayorazgo se retiró a Sevilla para administrar sus dominios. Pero regresaría a la corte en 1615 como gentilhombre de cámara del príncipe; desde ese cargo se ganó la confianza del futuro rey y se alineó, bajo la protección de su tío Baltasar de Zúñiga, en la facción del duque de Uceda, opuesta a la del valido duque de Lerma.

Afianzó sus posiciones en el periodo de declive del poder de Lerma y posteriormente se deshizo de la tutela de Uceda; de manera que, cuando accedió al Trono Felipe IV en 1621, Olivares pasó a controlar la situación, acumulando múltiples cargos palaciegos y regulando el acceso a la persona del monarca.

En un primer momento se dedicó a eliminar de la corte a los miembros de las facciones de Lerma y Uceda, condenando con castigos ejemplares los abusos del reinado anterior, pero también situando en los puestos clave a sus propios parientes, amigos, clientes y «hechuras», al tiempo que acumulaba para su casa títulos, rentas y propiedades. Su poder personal quedó reforzado mediante el recurso a las juntas, con las cuales tendió a suplantar el mecanismo de gobierno tradicional de los Consejos.

LA FRAGUA DE VULCANNO - VELAZQUEZ

Pintado por Velázquez hacia 1630 en su primer viaje a Italia, fue posteriormente comprado por Felipe IV en 1634. El tema elegido está inspirado en las Metamorfosis de Ovidio: Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de su esposa, Venus con Marte. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada.

LOS BORRACHOS - VELAZQUEZ

Esta escena presenta un aspecto vulgar e insolito.La acción tiene lugar al aire libre. Baco, muy iluminado desde la izquierda, y a medias cubierto con magníficas telas en tonos blancos y rosados, está sentado sobre un tonel con la cabeza ceñida de pámpanos y hiedra. Le acompañan dos supuestos miembros de su séquito. El dios procede a coronar a un hombre arrodillado ante él, mientras que los otros cuatro que se apiñan a su izquierda reflejan en sus rústicos semblantes los efectos de los vapores del vino. Dos de ellos dirigen sus miradas hacia el espectador como para hacerle partícipe de su alegría. En el ángulo superior derecho la figura embozada en la sombra resulta un contrapunto de la situada en el ángulo inferior izquierdo.
Velázquez aún conserva aquí el gusto por el tenebrismo de su etapa sevillana y un sentido del modelado altamente naturalista, pero en el paisaje del fondo se advierte ya su magistral y ligera pincelada.

VIEJA FRIENDO HUEVOS - VELAZQUEZ

Se trata de una obra realizada al óleo sobre lienzo pintada por Velázquez en su primera etapa como pintor en Sevilla, antes del 1622.
Como todas sus obras de esta etapa, el estilo de la misma es el naturalismo tenebrista, en el que las figuras aparecen en un primer plano destacando sobre el fondo oscuro, fuertemente iluminadas por un foco de luz único, externo al cuadro y que normalmente entra por la izquierda del mismo. Así se ilumina la mujer que da título a la obra, el niño que la acompaña, la cazuela de barro en la que fríe los huevos y una serie de enseres y utensilios de cocina que aparecen representados.


El cuadro pertenece al género del bodegón.

La vieja tiene una cuchara de madera en la mano derecha y un huevo que se dispone a cascar contra el borde de la cazuela en la mano izquierda, la anciana suspende la acción y alza la cabeza ante la llegada de un muchacho con un melón de invierno bajo el brazo y un frasco de cristal.

COMPARACION DEL CRISTO DE VELAZQUEZ CON EL DE ZURBARAN

Son muy precidos pero tenes pequeñas diferencias que se pueden apreciar:

-En los fondos se pueden apreciar los tonos,el de Velazquez es mas claro que el de Zurbaran.
-La pintura es distinta porque en el cristo de Zurbaran es mas oscura que en el de Velazquez.
-Los paños que llevan los cristos son de distintos tamaños.
-Las cruces donde estan crucificados los cristos son de distinto tacto ,calidad y material.
-El cristo de Zurbaran muestr la relidad taly como es en su cra y expresion sin ocultar sus defectos.

Cristo de zurbaran                                     Cristo de Velazquez
                                                                                                
                                                                                             
           

PLAZA MAYOR DE SALAMANCA

Plaza Mayor de Salamanca
Cada pabellón de la Plaza Mayor se dedicó, mediante medallones esculpidos, a un sector. Por ello en el pabellón Real están los monarcas castellanos desde Alfonso XI hasta Carlos III,son 20 y estan esculpidos por Alejandro Carnicero. En el pabellón de San Martín hay héroes, guerreros y conquistadores de la historia nacional. Los 20 fueron esculpidos, también, por Alejandro Carnicero. En el pabellón de Petrineros están representados diversos personajes ilustres como Miguel de Unamuno o Nebrija. El pabellón del Ayuntamiento cuenta con los medallones de los actuales Reyes de España y las personas que llevaron a cabo la construcción de la Plaza Mayor.

  


Los Churriguera
La firma de la familia Churriguera (Alberto y sus hermanos José Benito y Joaquín) ha quedado en Salamanca no sólo en la Plaza Mayor, también en la Catedral Nueva, en el Colegio Mayor de Cuenca, en la iglesia de San Sebastián y en retablos como el de San Esteban o las Clarisas. Sus orígenes son netamente madrileños conformando, los siete hermanos, una escuela de entalladores, escultores y retablistas. El Churriguerismo, última fase del barroco español, es la disolución de la estructura arquitectónica en puras formas decorativas, es la ornamentación que surge del cuerpo arquitectónico.

 

CONVERSION DE SAN PABLO - CARAVAGGIO

Caravaggio emplea el mismo lenguaje aparentemente vulgar de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo. El joven aún llamado Saulo era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos. Un mediodía, de camino a otra ciudad, fue derribado del caballo por una poderosa luz, al tiempo que la voz de Dios le preguntaba "Saulo, ¿por qué me persigues?". Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista con los cuidados de la comunidad cristiana. Se convirtió y adoptó el nombre de Pablo. Caravaggio nos cuenta esta historia de una manera completamente diferente, bajo la apariencia de lo trivial hasta el punto de ser tremendamente criticado: en primer lugar, la escena parece tener lugar en un establo, dadas las asfixiantes dimensiones del marco. El caballo es un percherón robusto y zafio, inadecuado para el joven soldado que se supone era Saulo. Y para rematar las paradojas, el ambiente es nocturno y no el del mediodía descrito en los escritos de San Pablo.

RAPTO DE PROSERPINA - BERNINI

Ceres, la diosa de la fecundidad de la tierra, cayó en la más profunda desesperación cuando supo que su amada hija, Proserpina, había sido raptada por Plutón, dios del Inframundo y la había llevado con él al Hades. En vano la buscó por todo el mundo y enfurecida detuvo el crecimiento de todas las plantas sobre la Tierra, se negó a regresar al Olimpo y se dedicó a vagar por el mundo, convirtiendo en desierto todos los lugares que pisaba, clamando justicia al resto de los dioses.

Finalmente Júpiter se apiadó de ella y ordenó a Plutón que liberara a Perséfone. Sin embargo el señor del Hades logró imponer la condición de que durante unos meses Perséfone regresara junto a él. Es así como Ceres engalana la Tierra con flores para recibir a su hija en Primavera, cubre los árboles y los prados de tonos naranjas y marrones (los preferidos de su hija) para despedirla cuando se acerca el momento de su partida en Otoño y durante los meses de Invierno, cuando Perséfone regresa al Inframundo, deja la tierra sin vida en señal de su dolor.



La intención de Bernini era representar en una misma escultura tres momentos diferentes del mito de Perséfone según giramos a su alrededor, provocando una interacción con el espectador y haciéndole así partícipe de su obra. Bernini fue capaz de continuar la sensualidad y la elegancia propias del Renacimiento y al mismo tiempo dotar a sus esculturas del movimiento, la de fuerza y la expresión característicos del Barroco.

Actualmente podemos apreciarla en la Galería Borguese, en Roma.

APOLO Y DAFNE - BERNINI

La historia de Apolo y Dafne:
La serpiente Pitón, en la mitología griega, era un monstruo de cien cabezas y cien bocas que vomitaban fuego; era el terror de la campiña de Tesalia porque arrasaba a hombres y animales. Cuenta Ovidio que Apolo, orgulloso por haberle dado muerte, osó desafiar a Cupido, hijo de Venus y de Marte. Este, para castigar tal osadía, cogió dos flechas de su aljaba. Una tenía la punta de oro e infundía amor; la otra era de plomo e inspiraba desdén. Cupido dirigió la primera hacia Apolo, y disparó la segunda a Dafne, hija del río Peneo y de la Tierra. Una violenta pasión por la hermosa ninfa se apoderó entonces de Apolo. Sin embargo ella, herida por la flecha del desprecio, huyó rápidamente tratando de esconderse. Apolo corrió en busca de Dafne, pero ésta, al verse perdida, solicitó la ayuda de su padre. Tan pronto como cesaron sus gritos de socorro, una corteza suave le encerró el pecho, sus cabellos se transformaron en hojas verdes, los brazos en ramas, los pies se fijaron en el suelo y la ninfa quedó transformada en laurel. Apolo, no dispuesto aún a darse por vencido, abrazó el árbol y lo cubrió de ardientes besos, pero incluso las ramas retrocedían asustadas de sus labios. “Si no puedes ser mi amante”, juró el dios, “me serás consagrada eternamente. Tus hojas serán siempre verdes y con ellas me coronaré”. Desde entonces, el laurel es el símbolo de Apolo y con él se galardona a los vencedores, artistas y poetas.

FONTANA DE TREVI

La fuente está realizada en mármol y adosada al Palacio Poli, al que da una nueva fachada con pilastras corintias. El palazzo da a Piazza de Trevi, en la colina del Quirinale. Si bien Roma cuenta con otras, es ésta la mayor ( 25,9 m de alto y 19,8 de ancho) de las barrocas fuentes romanas y debe su fama en gran parte al cine.
Cuando el Papa Clemente XII organizó un concurso de ideas para la fuente, se cambió su emplazamiento original a la cara actual de la plaza para que el papa pudiera verla de frente desde el Palazzo del Quirinale.  
La fuente se ubica sobre un antiguo acueducto romano y sigue la costumbre de señalar la surgente de agua con una pila. Aunque en este caso, en pleno período barroco, la simple pila de antaño se transformó en una gigantesca obra de arte de la época.
Aunque es una obra hermosa la Fontana de Trevi, posee un gran atractivo y fama por una creencia popular o tradición de antaño.
“Anualmente se retiran cientos de kilos de monedas de diversos países de los fondos de la fuente”
La tradición que ha hecho famosa a la maravillosa fuente, consiste en lanzar una moneda de espaldas a la fuente, donde el autor de este singular acto debe pedir un deseo mientras la moneda esté en el aire y no haga su inminente contacto con las aguas. Este deseo no puede ser revelado, ya que de ser así la fuente no lo concederá. Son muchas las personas que aseguran la veracidad de los poderes mágicos de esta fascinante fuente, incluyendo algunos autores de reseñas como ésta.

PLAZA DE LAS CUATRO FUENTES-BERNINI

La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma (Italia) y fue esculpida por el escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado de Inocencio X.

La fuente representa los 4 ríos de cada uno de los continentes conocidos en la época: Danubio (Europa), Ganges (Asia), Nilo(África) y Río de la Plata (América). Coronándola, se puede ver un obelisco con grabados egipcios, rescatado del Circo de Majencio.

La fuente presenta figuras de siete animales, además de una pequeña paloma y el emblema de los Pamphili. Entre esos animales se ecuentran: las figuras son: un caballo, una serpiente de tierra (en la parte más alta, cerca del obelisco), una serpiente de mar, un delfín (que funciona también como desagüe), un cocodrilo, un león y un dragón.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

EXTASIS DE SANTA TERESA

Esta obra fue encargada por la familia Cornaro para la capilla familiar en la iglesia de Santa Maria Della Vitoria, coordinándose con una serie de relieves que flanquean la capilla. Esta muestra una concepción totalitaria de las artes, encontrándose la Gloria Celestial pintada en dos tramos de la capilla, encontrándose también decoradas las pechinas y la cúpula.

Santa Teresa fue canonizada por Paulo V en 1614, mismo año en el que fueron canonizados San Ignacio de Loyola y San Francisco de Borja, constituyendo así una propaganda a través de las artes de los santos de la Contrarreforma.
Las diferentes texturas son muy variadas: la textura angulosa y variada de la toga de monja, la mórbida del cuerpo del ángel, la esponjosa de las nubes..., buscando así recrear sensaciones pictóricas. Los pliegues son usados aquí del mismo modo que en San Longinos, utilizándose para destacar determinadas partes, ocultando y encorsetando la anatomía. El gesto del ángel se nos muestra como una pervivencia de las formas clásicas en la obra de Bernini.

Toda la escena se desarrolla en el interior de un retablo transparente, llamado así porque dirige la luz hacia su interior hueco. Este es cóncavo, de planta oval al interior, dentro del cual se filtra la luz de origen invisible que baña al grupo, siendo es utilizada aquí al modo de un escenario teatral.
En los relieves de los laterales se hallan representados unos palcos a los cuales se asoman los miembros de la familia Cornaro que asisten al milagro que se desarrolla en el altar, reafirmando así la concepción teatral de esta obra.

DAVID - BERNINI

Gian Lorenzo Bernini (1598-1560 Fue: escritor, arquitecto y pintor, uno de los artistas más destacados del Barroco.

Caracteristicas de la obra: Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos.

Al contrario que en obras mas tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo enfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura esta en tension, el movimiento y la potencia estan implicitos. La cara muestra concentracion, con el ceño fruncido e incluso mordiendose el labio inferior. Este david no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzandose para lograr sus metas.

EL JUICIO FINAL - MIGUEL ANGEL

Aqui os dejo un video de EL JUICIO FINAL DE MIGUEL ANGEL,con la definicion y elementos de cada persona.Esto lo resume todo:

http://www.youtube.com/watch?v=naapZ1TwaVM&feature=player_embedded

LA CREACION DE ADAN - MIGUEL ANGEL

En el lado izquierdo de la obra aparece Adán estirando el brazo para tocar el dedo del otro personaje que se encuentra flotando en el cielo junto con unos ángeles. La figura de la izquierda se encuentra dentro de un plano de encierro en forma de triangulo rectángulo y los demás del lado derecho en la parte superior de la obra se encuentran dentro de un rombo.

Color: los colores son más vivos a diferencia del manierismo (El nombre de Manierismo tiene que ver con la idea de que los pintores de este período comenzaron lentamente a pintar “a su manera”, siguiendo las reglas generales de la pintura pero interpretando sus bocetos y lo que observaban de la realidad de modo único y personal.)Paleta de cálidos y fríos que avanzan y retroceden, generan profundidad. Rosas, naranjas, rojos y amarillos, llevados al tinte con blanco. Pares de complementarios opuestos: rojo- verde y azul- naranja, llevados cada par, al quebramiento del color.

Valor: valores altos, poco uso de valores bajos, predomina una clave mayor alta.

Formas: los personajes son más musculosos, atléticos y de estaturas normales, estos son más angelicales, a diferencia de los personajes alargados del manierismo.
La temática parece ser más religiosa, y en un lugar más iluminado.

CRISTO YACIENTE

Es una obra de madera policromada.La escultura barroca española es diferente a la del resto de Europa. No existe prácticamente la escultura civil, sino que es básicamente religiosa, con un sentido de la imagen que expresa la religiosidad de España, que quiere convertirse en la cabeza de la cristiandad católica. Casi todas las obras son de madera policromada, que con la pintura tratan de conseguir los mismos efectos que en los lienzos, es decir, todos los matices que expresen el naturalismo, es la imaginería española. Las figurasson  muy realistas son objeto de devoción popular. Entre los numerosos ejemplos de los distintos talleres de la España del siglo XVII, destaca en Castilla el Cristo yacente de Gregorio Fernández, el taller de Valladolid más destacado del momento perteneciente a la escuela castellana.
Es una obra realizada para los Capuchinos del Pardo, que fue sufragado por el rey Felipe III, según comunicó en 1614 su valido, el Duque de Lerma. En el gótico ya había surgido el tema del Santo Entierro, pero enseguida apareció el tema del “cuerpo muerto” exento, para tratar de impresionar con mayor fuerza al espectador solo con el dramatismo del mismo. Recordemos en la pintura del Renacimiento el “Cristo muerto” de Mantenga, o la aún más patética versión de Holbein.

LA GIOCONDA

Leonardo da Vinci estaba obsesionado con alcanzar la perfección, siempre mejorando su técnica pictórica. El Papa León X se quejó de que ”¡este hombre nunca llegará a ningún lado!” ya que Leonardo prefería inventar un nuevo barniz a comenzar la última obra que le habían encargado. La Gioconda (también conocida como La Mona Lisa) es una obra (en teoría) inacabada.

 Un análisis gracias a un generador portátil de rayos X (para no mover el cuadro del Louvre, París) del  Sincrotrón Europeo de Grenoble, mediante la técnica de fluorescencia de rayos X, ha desvelado los secretos de la técnica de sfumato que utilizó Leonardo en esta obra maestra del esfumado. "El esfumato es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía;  da una impresión de profundidad en los cuadros.”

MOISES DE MIGUEL ANGEL

Es una escultura renacentista del siglo XVI,perteneciente a la etapaa del Cinquecento en Italia. Esla figura central de la tumba del papa Julio II, que se encuentra en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Fue realizada en 1515 por Miguel Angel Buonarotti, escultor florentino.

Está realizada en màrmol blanco y es una escultura de bulto redondo ,de cuerpo entero y sedente.

El tema es bíblico:el poeta Moises al regresar de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de la ley para enseñárselas a los israelitas, contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jahvé (Jehová) y están adorando al Becerro de Oro.

Miguel Angel ha tratado el mármol, su material predilecto, como si fuera la más dócil de las materias (arcilla, plastilina, etc.). El Estudio anatómico es de un naturalismo asombroso (los brazos del profeta exhiben la fortaleza y tensión de un atleta, a pesar de la edad madura del mismo). El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, donde los contrastes de luces y sombras que provocan las profundas oquedades en el mármol, otorgan a la figura su rotundo volumen.

El autor pensaba que su escultura era tan perfecta que tenia que tener algun error,y por eso en la rodilla derecha de Moises le dio un martillazo para tener algun desperfecto.

DAVID DE MIGUEL ANGEL

Se encuentra en la Galería de la Academia. Florencia (Italia). Hasta 1947 la escultura estuvo situada en la Plaza de la Señoría de la misma ciudad, donde ahora puede contemplarse una copia.Su autor es Miguel Angel Buonarroti.
Es una escultura de bulto redondo,con 4,34 metros de altura.
Es una obra realizada sobre mármol, mediante cincel. Para su realización Miguel Ángel recibió un bloque de mármol, estrecho y muy alto, que llevaba abandonado muchos años en la catedral de Florencia.
El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, tiene en la mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapposto de la figura.
                    El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat (cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate.                                                  

CONSTRUCCION DEL VATICANO

En el siglo I, la Emperatriz Agripina hizo secar los pantanos del valle y creó los jardines imperiales. Pero pronto el Emperador Nerón los convirtió en un Circo Romano donde se llevaban a cabo carreras de carros y ejecuciones.En el año 315, durante el reinado del Emperador Constantino, se construyó una basílica en el lugar de la tumba de San Pedro. Hacia el siglo XV esta basílica se estaba derrumbando, por lo que el Papa Julio II sentó la primera piedra de la nueva iglesia. 120 años después, cuando ésta estuvo finalizada, cada gran arquitecto renacentista, de Bramante a Maderno, habían participado de su diseño.
Los muros leoninos que rodean y protegen la ciudad fueron construidos por el Papa León en el 846. El Palacio Vaticano, construido en el siglo XII, se convirtió en la residencia oficial de los Papas.

http://www.youtube.com/watch?v=gQT-wnMIH8k

LA PRIMAVERA -DE SANDRO BOTTICELLI

                                                      LA PRIMAVERA

 La primavera es una obra que se ha interpretado en terminos musicales.
Es una obra pintada en torno a los años 1478-1482, con la técnica del temple sobre tabla, que actualmente se encuentra en los Uffizi de Florencia. Inspirada en fuentes literarias, en realidad se trata de una especie de emblema mitológico del amor platónico, tema muy apreciado por la escuela neoplatónica florentina. Esta escuela se desarrolló en la corte de Florencia en torno a los Medicis y estuvo liderada por Marsilio Ficino y Pico della Mirandola, teniendo notables seguidores, entre los que destaron en el siglo XV, el pintor Sandro Filipepi, más conocido por Boticelli, representante de la vía no cientifista de la pintura florentina de dicho siglo.

La luz es homogénea, no crea sombras ni aparece claramente identificada y con respecto al color, predominan los tonos suaves, destacando los complementarios, como el rojo y el verde.                   

PIERO DELLA FRANCESCA

Es artista italiano,uno de los mas grandes del renacimiento.Su arte se caracteriza por su humanismo sereno y el uso de formas geometricas.Escribio libros sobre perspectiva y geometria,donde lo refleja en sus obras.

Piero della Francesca es el sobrenombre por el que

conocemos a Piero De Benedetto Dei Franceschi.Este

artista es el gran enamorado en el quattrocento italiano y

uno de los grandes pintores del siglo XV





EL BAUTISMO DE CRISTO:
                       



Tecnica:óleo sobre tabla.
Es uno de los cuadros mas conocidos de este autor.Esta constituido por dos grandes planchas de álamo al vetado vertical.Representa el momento en el que Cristo es bautizado por San Juan Bautista.El cuerpo de cristo se situa entre los tres angeles a su derecha y San Juan Bautista a su izquierda.

SANTISIMA TRINIDAD-Masaccio

Es una pintura al fresco situada en la Iglesia de Santa Maria Novella de Florencia, realizada para una familia aristocratica. Es una obra en las que se representa por primera vez en el Renacimiento el espacio tridimensional en una superficie plana, gracias al empleo de la perspectiva lineal,que consisite en que las lineas paralelas que van de mas cerca a mas lejos. En ese espacio arquitectonico se encuentra la escena de la Crucifixion,en la cual acompañan a Cristo su madre Maria,y San Juan,arriba se encuentra Dios padre del Espiritu Santo.Junto a las pilastras se situan los donantes,simbolizando el tiempo humano.

                                                   

LA ESCUELA DE ATENAS-Rafael

   En la escuela de Atenas de Rafael se representan las siguientes 
   figuras:


   Apolo:Dios de la musica,la poesia y la medicina entre otras. 


   Arquimedes:puede ser el teorico clasico,representado como  
   Bramante. 


   Averroes:filosofo que se conoce por ser el interprete de la obra 
   aristotelica. 
    
    Pitagoras:filosofo representado llevando la tabla de las 
    armonias.


    Rafael:el propio artista se representa como Apeles,el pintor 
    clasico.


    Platon:se encuentra en el centro con su Timeo en las manos,
    representado como Leonardo da Vinci.Señala al cielo debatien-
    do con Aristoteles sobre la verdad.


    Socrates:filosofo griego muy conocido.


   Aristoteles: Con su Ética a Nicómaco en una mano y con otra 
   señala la Tierra.Junto a Platon discute sobre la filosofia y el 
   concepto de la verdad.


   Minerva: Diosa de la sabiduría y de las artes.


   Diogenes: La forma de representarlo es, al igual que su propio 
   pensamiento, austera.

GATTAMELATA

                                         GATTAMELATA                                                                        Es la primera estatua en honor de un guerrero que aparece en la edad moderna.
    La Signoría de Venecia fue la que encargó esta escultura al morir Gattamelat.
    El retrato representa al general con menos años de los que tenia en ese momento.    
    El escultor Donatello se propuso con este ejemplo abandonar la tipica estatua funeraria  
    veneciana.El retrato se levanta sobre una planta elíptica de bloque horizontales,isódomos 
    perfectos cuya unidad con el bronce los hace parecer unidos,como si hubiesen nacido    
    conjuntamente.
    Es una obra ecuestre que hace honor al Condottiero Gattamelata,que se situa en la ciudad de 
    Padua.

PALACIO PITTI

                           PALACIO PITTI

Este palacio florentino situado en la orilla izquierda del Arno, entre la plaza Pitti y los jardines Boboli fue construido originalmente como residencia para el banquero Luca Pitti (al que le debe el nombre), encargando el proyecto a Brunelleschi, que inició sus obras en 1440. El planteamiento de este palacio difiere de lo que hasta ese momento se había hecho en la arquitectura civil europea, ya que hasta entonces las construcciones tenían sobre todo un carácter defensivo. En el palacio pitti se produce la integración de el edificio en el ámbito ciudadano, entrando a formar parte de el, a pesar de que el palacio estaba situado en lo que se podrían denominar las fueras de Florencia.

En la segunda mitad del siglo XV, Luca Bonaccorso Pitti pidió a Brunelleschi que construyera para él Palazzo Pitti, que en principio tenía sólo dos pisos, pero que a lo largo de los siglos fue ampliado notablemente.
En 1550, la rica duquesa Eleonora de Toledo, consorte de Cosimo I de' Medici, compró el palacio para trasladar allí la residencia de la familia y, en esta ocasión, encargó a Bartolomeo Ammannati el patio porticado y las grandes ventanas, mientras que se confió a Niccolò Tribolo la tarea de crear el jardín de Palazzo Pitti, que tomó el nombre de la colina de Boboli. En 1565, Giorgio Vasari realizó una galería, el "Corridoio Vasariano", que une Palazzo Pitti con Palazzo della Signoria cruzando Ponte Vecchio y los Uffizi.

 

BASÍLICA DE SANTO SPIRITO

                   SANTO SPIRITO

La Iglesia de Santa Maria de Santo Spiritto,preside el fondo norte de la hermosa plaza del mismo nombre, situada en una de las zonas más encantadoras y frecuentadas del barrio de Oltrano, repleta de tiendas de artesanía, de trabajos de restauración y anticuarios.

                                                 

        

   
                                   


                              INTERIOR

 El interior de la Basilica de Santo Spiritto,tiene planta de cruz latina,con tres naves divididas por columnas de piedra con arcos ojivales.El techo es de forma adintelada y decorado con casetones.

                                                      Iglesia de Santo Spirito

SAN JORGE DE DONATELLO

                       SAN JORGE DE DONATELLO

Considerado por algunos teóricos como el principal escultor de la escuela florentina quattrocentista, Donatello (de verdadero nombre Donato di Niccolo di Betto Bardi) ha pasado a los anales de la historia del arte por su excepcionalidad como artífice, además de por la maestría que destilará a la hora de conciliar el más puro clasicismo con un dramatismo que, a finales de su vida, se tornará cercano incluso al feísmo.
Y si el Renacimiento lleva implícito en su origen el reconocimiento de la importancia del hombre en el mundo, Donatello será el escultor que lo constante, siendo en su producción la forma de concebir la figura humana (estudiada, precisa, diversa y, en ocasiones, grandilocuente)



                


                                                                             Donatello: San Jorge
Hacia 1415-1417. Mármol. Altura 209 cm.

DAVID DE DONATELLO

                                            DAVID DE DONATELLO

Donato di Niccolo di Betto Bardi, conocido como Donatello, realizó dos esculturas con el tema del “David”, una en mármol (esculpida entre 1408-1409) y esta otra en bronce esculpida alrededor de 1440, para la familia Medici, que actualmente se encuentra en el Museo del Bargello en Florencia.

Esta obra constituye el primer desnudo de bulto redondo tras la desaparición del imperio romano. También es clásico el momento elegido para representarlo, muestra al joven una vez que ha derrotado a su rival con la honda y le ha cortado la cabeza con su propia espada. Aparece relajado, sin tensión, dibujando un claro óvalo compositivo, cerrando las líneas con la espada apoyada en el suelo.

PANTEÓN DE AGRIPA

El Panteón de Agripa, también conocido como el Panteón de Roma, es una de las obras maestras de la arquitectura de la capital italiana. Es el edificio mejor conservado de la antigua Roma.

PANTEON DE AGRIPA

INTERIOR DEL PANTEON DE AGRIPA

La construcción del Panteón actual se llevó a cabo en tiempos de Adriano, en el año 126 d.C. El nombre de Agripa viene dado porque el lugar en el que está construido el edificio actual estaba anteriormente ocupado por el Panteón de Agripa, construido en el año 27 a.C., que quedó destruido debido a un incendio en el año 80 d.C.

A principios del siglo VII el edificio fue donado al Papa Bonifacio IV y éste lo transformó en una iglesia, por lo que en la actualidad presenta un perfecto estado de conservación

FILIPPO BRUNELLESCHI

Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura.
 
                                  
                                                                    Brunelleschi

A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas . 

También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Precisamente por ello, sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender fría y racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones.

                                          
                                                                Catedral de Florencia

La cúpula de la catedral de Florencia. Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica, iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto, quién realizó su bello campanile exento, y posteriormente por otros arquitectos. La catedral tiene planta de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. En 1418 la Corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aún faltaba. La maqueta presentada por el arquitecto Filippo Brunelleschi ganó el concurso, al que también se había presentado Ghiberti.

                                         

Materiales: Ladrillo, piedra y mármol

Planta e interior: Brunelleschi ganó el concurso gracias a su innovador sistema constructivo: sin cimbras de madera y empleo de un aparejo de ladrillo hueco en forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos. Planteó la grandiosa cúpula- de casi 43 m. de diámetro- como un doble cascarón con un espacio vacío en medio: el cascarón interno era de forma semiesférica, el externo era apuntado, dividido en ocho partes triangulares divididas por nervios exteriores de mármol. Aligeran el peso en el exterior diversas semicúpulas de descarga y, desde el interior, una serie de costillas horizontales concéntricas y nervios ocultos.

Exterior: La cúpula se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de placas de mármol (blanco, verde y rosado), con una gran ventana circular (óculo) en cada uno de sus lados . La cúpula, cuyas ocho caras están cubiertas de tejas rojas planas , tiene un aspecto esbelto gracias a su perfil apuntado, debido a la curvatura de los nervios de mármol blanco que la recorren ascendiendo hacia la cúspide. En la unión de los nervios aparece una estilizada linterna, punto de fuga del sistema, terminada en 1471, ya muerto Brunelleschi. En ella se emplean volutas.

                                                 

Estilo: esta cúpula es la primera obra renacentista. Está inspirada en los sistemas de construcción romanos, especialmente en la cúpula del Panteón de Agripa, y también en la tradición gótica, pero los supera . Unifica y centraliza el espacio del edificio.

Significado: La cúpula superaba en altura y destacaba del resto de las edificaciones de la ciudad de Florencia. Dominaba la perspectiva y jerarquizaba el espacio urbano. Era el símbolo del orgullo de esta ciudad-estado, la más prestigiosa del siglo XV. La cúpula tendrá un enorme éxito y será muy imitada durante el Renacimiento, dentro y fuera de Italia. Miguel Ángel se inspiró en ella para su cúpula del Vaticano. Posteriormente, tanto en Europa como en América, se realizarán otras cúpulas siguiendo el modelo de Brunelleschi. Ejemplos: la cúpula de la catedral de San Pablo en Londres (siglo XVII) y la del Capitolio de Washington (comienzos del XIX).

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