EXTASIS DE SANTA TERESA

Esta obra fue encargada por la familia Cornaro para la capilla familiar en la iglesia de Santa Maria Della Vitoria, coordinándose con una serie de relieves que flanquean la capilla. Esta muestra una concepción totalitaria de las artes, encontrándose la Gloria Celestial pintada en dos tramos de la capilla, encontrándose también decoradas las pechinas y la cúpula.

Santa Teresa fue canonizada por Paulo V en 1614, mismo año en el que fueron canonizados San Ignacio de Loyola y San Francisco de Borja, constituyendo así una propaganda a través de las artes de los santos de la Contrarreforma.
Las diferentes texturas son muy variadas: la textura angulosa y variada de la toga de monja, la mórbida del cuerpo del ángel, la esponjosa de las nubes..., buscando así recrear sensaciones pictóricas. Los pliegues son usados aquí del mismo modo que en San Longinos, utilizándose para destacar determinadas partes, ocultando y encorsetando la anatomía. El gesto del ángel se nos muestra como una pervivencia de las formas clásicas en la obra de Bernini.

Toda la escena se desarrolla en el interior de un retablo transparente, llamado así porque dirige la luz hacia su interior hueco. Este es cóncavo, de planta oval al interior, dentro del cual se filtra la luz de origen invisible que baña al grupo, siendo es utilizada aquí al modo de un escenario teatral.
En los relieves de los laterales se hallan representados unos palcos a los cuales se asoman los miembros de la familia Cornaro que asisten al milagro que se desarrolla en el altar, reafirmando así la concepción teatral de esta obra.

DAVID - BERNINI

Gian Lorenzo Bernini (1598-1560 Fue: escritor, arquitecto y pintor, uno de los artistas más destacados del Barroco.

Caracteristicas de la obra: Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos.

Al contrario que en obras mas tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo enfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura esta en tension, el movimiento y la potencia estan implicitos. La cara muestra concentracion, con el ceño fruncido e incluso mordiendose el labio inferior. Este david no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzandose para lograr sus metas.

EL JUICIO FINAL - MIGUEL ANGEL

Aqui os dejo un video de EL JUICIO FINAL DE MIGUEL ANGEL,con la definicion y elementos de cada persona.Esto lo resume todo:

http://www.youtube.com/watch?v=naapZ1TwaVM&feature=player_embedded

LA CREACION DE ADAN - MIGUEL ANGEL

En el lado izquierdo de la obra aparece Adán estirando el brazo para tocar el dedo del otro personaje que se encuentra flotando en el cielo junto con unos ángeles. La figura de la izquierda se encuentra dentro de un plano de encierro en forma de triangulo rectángulo y los demás del lado derecho en la parte superior de la obra se encuentran dentro de un rombo.

Color: los colores son más vivos a diferencia del manierismo (El nombre de Manierismo tiene que ver con la idea de que los pintores de este período comenzaron lentamente a pintar “a su manera”, siguiendo las reglas generales de la pintura pero interpretando sus bocetos y lo que observaban de la realidad de modo único y personal.)Paleta de cálidos y fríos que avanzan y retroceden, generan profundidad. Rosas, naranjas, rojos y amarillos, llevados al tinte con blanco. Pares de complementarios opuestos: rojo- verde y azul- naranja, llevados cada par, al quebramiento del color.

Valor: valores altos, poco uso de valores bajos, predomina una clave mayor alta.

Formas: los personajes son más musculosos, atléticos y de estaturas normales, estos son más angelicales, a diferencia de los personajes alargados del manierismo.
La temática parece ser más religiosa, y en un lugar más iluminado.

CRISTO YACIENTE

Es una obra de madera policromada.La escultura barroca española es diferente a la del resto de Europa. No existe prácticamente la escultura civil, sino que es básicamente religiosa, con un sentido de la imagen que expresa la religiosidad de España, que quiere convertirse en la cabeza de la cristiandad católica. Casi todas las obras son de madera policromada, que con la pintura tratan de conseguir los mismos efectos que en los lienzos, es decir, todos los matices que expresen el naturalismo, es la imaginería española. Las figurasson  muy realistas son objeto de devoción popular. Entre los numerosos ejemplos de los distintos talleres de la España del siglo XVII, destaca en Castilla el Cristo yacente de Gregorio Fernández, el taller de Valladolid más destacado del momento perteneciente a la escuela castellana.
Es una obra realizada para los Capuchinos del Pardo, que fue sufragado por el rey Felipe III, según comunicó en 1614 su valido, el Duque de Lerma. En el gótico ya había surgido el tema del Santo Entierro, pero enseguida apareció el tema del “cuerpo muerto” exento, para tratar de impresionar con mayor fuerza al espectador solo con el dramatismo del mismo. Recordemos en la pintura del Renacimiento el “Cristo muerto” de Mantenga, o la aún más patética versión de Holbein.

LA GIOCONDA

Leonardo da Vinci estaba obsesionado con alcanzar la perfección, siempre mejorando su técnica pictórica. El Papa León X se quejó de que ”¡este hombre nunca llegará a ningún lado!” ya que Leonardo prefería inventar un nuevo barniz a comenzar la última obra que le habían encargado. La Gioconda (también conocida como La Mona Lisa) es una obra (en teoría) inacabada.

 Un análisis gracias a un generador portátil de rayos X (para no mover el cuadro del Louvre, París) del  Sincrotrón Europeo de Grenoble, mediante la técnica de fluorescencia de rayos X, ha desvelado los secretos de la técnica de sfumato que utilizó Leonardo en esta obra maestra del esfumado. "El esfumato es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía;  da una impresión de profundidad en los cuadros.”

MOISES DE MIGUEL ANGEL

Es una escultura renacentista del siglo XVI,perteneciente a la etapaa del Cinquecento en Italia. Esla figura central de la tumba del papa Julio II, que se encuentra en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Fue realizada en 1515 por Miguel Angel Buonarotti, escultor florentino.

Está realizada en màrmol blanco y es una escultura de bulto redondo ,de cuerpo entero y sedente.

El tema es bíblico:el poeta Moises al regresar de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de la ley para enseñárselas a los israelitas, contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jahvé (Jehová) y están adorando al Becerro de Oro.

Miguel Angel ha tratado el mármol, su material predilecto, como si fuera la más dócil de las materias (arcilla, plastilina, etc.). El Estudio anatómico es de un naturalismo asombroso (los brazos del profeta exhiben la fortaleza y tensión de un atleta, a pesar de la edad madura del mismo). El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, donde los contrastes de luces y sombras que provocan las profundas oquedades en el mármol, otorgan a la figura su rotundo volumen.

El autor pensaba que su escultura era tan perfecta que tenia que tener algun error,y por eso en la rodilla derecha de Moises le dio un martillazo para tener algun desperfecto.